Análisis: El Cine Negro en la década del 40.

 El Cine Negro comenzó en década de los 40´s y principios de los 50´s, segunda guerra mundial. La sociedad se enfrenta a una desilusión con respecto a los valores norteamericanos, generando así una inseguridad social, la decadencia urbana y el pesimismo, respuesta al optimismo forzado que el mismo Estado procuraba imponer. No sólo que estaban heridos ante la guerra si no que también arrastraban las consecuencias de “la gran depresión” del año 1929 que afectó la vida económica.

El Cine de Hollywood imponía el “Hapy End”, cine de propaganda sonriente, todo lo que sucedía en el film tenía que terminar armonioso, bello y victorioso para el protagonista. Pero el Cine Negro puso en manifiesto la artificialidad del procedimiento, descubriendo el aspecto sombrío y dramático que vivía la sociedad.

Trata del orgullo, la humildad, la democracia y todos los problemas sociales. Nota el egoísmo que trajo la Depresión y la situación social en que estaban inmersos los Estados Unidos.

Cualquiera puede ser pobre o perder todo repentinamente. La filosofía era pelear por lo propio, sin importar cómo, “sálvese quién pueda”. Una profusión de la criminalidad.

El Cine Negro trabaja con un objeto deseado ya destruído. Una decepción, un esfuerzo sin sentido. Un cuestionamiento humano que se prefiere olvidar, pero que este género lo tratará violentamente.

El cine negro, con historias detectivescas derivadas de las novelas americanas de los años 20, es una continuación del género Ganster. El Gangster contaba las mafias que se generaban en los Estados Unidos al amparo de algunos inmigrantes europeos. Tenían una visión sórdida de la sociedad a pesar de su Happy End, principal característica de Hollywood.

En este género se podía encontrar una crítica social, un alerta. Ya la sociedad americana había cambiado, habían familias de inmigrantes que hacían negocios turbios, ya no es la misma sociedad idealizada y soñada que Hollywood vendía.

Tanto en el cine de Gangster como en el Cine Negro se nota cinismo y violencia, pero este último incluía una crítica social más desesperante, ya no se trataba de familias o bandas criminales, si no del intento de salvarse uno mismo. El peligro está en un sólo personaje: cualquier podría ser éste. Hay una búsqueda de incomodar al espectador. La sociedad como espacio del crimen.

Esta violencia es reflejada en diferentes aspectos, como por ejemplo la utilización de una estética expresionista (muchos de los directores de este género son alemanes que se exiliaron en los EEUU y no tardaron en desarrollar sus habilidades, como Frintz Lang con “Women in the Window” y Otto Preminger con “Laura”):

La utilización de líneas oblicuas en lugar de horizontales, una composición de cuadro desbalanceada, una iluminación contrastada y/o lateral sin luz de compensación, provocando inquietud. Al ser antinatural, el espectador se siente incómodo. Él no puede ver la imagen completa, no se ofrece para ser vista sino para ser adivinada, excita la mirada.

Se puede interpretar como una imagen invadida de oscuridad, impregnada por sentimientos que parecen desmesurados, desproporcionados. Es el desequilibrio de fuerzas que hay entre el poderoso enemigo y el héroe. Una injusticia insalvable. El héroe pertenece a ese mundo corrompido.

Al igual que la falta de compensación de la oscuridad, la violencia ni el miedo no tienen límites, no hay remedio, se trata de un mundo y de una imagen tenebrosa. Un espacio claustrofóbico con la ayuda del trabajo de la profundidad de campo y ángulos de cámara exagerados que parecen oprimir a los personajes.

Estos films transcurren en la ciudad, con pavimentos lluviosos, escenas nocturnas y escasa iluminación. Generan universos sórdidos, aprovecha las superficies reflectantes (el reflejo como algo no real, el desdoblamiento de la imagen, el lado oscuro que tanto tememos) y el efecto de mareo dentro del espacio en el que a su vez, la poca luz, genera laberintos dentro de la oscuridad.

Muchas de las historias suceden en mansiones grandes, laberínticas, o en las calles de a ciudad que parecen tan confusas donde uno se pierde como en un laberinto.

Éstos laberinto subterráneos, también son interpretados como aquellas estructuras que sostienen las calles, la superficie, la vida que se ve. En la superficie todo brilla y se ve el sol, en lo subterráneo todo es oscuro y negro.

La persecución del detective y la policía parece una telaraña invisible, como si la ciudad se hubiera transformado en una maqueta, la cual se tendría que volver a construir para poder ser descifrada junto con el culpable. Se trata de ramificaciones ilegales, movimientos secretos, difíciles de alcanzar.

Éstos también están relacionados con la proyección amorosa del detective y su mujer imposible involucrada en el caso. Pasajes secretos que llevan a una conexión prohibida, mortal y desestabilizadora. Un desmoronamiento simbólico.

Duro retrato de la sociedad norteamericana, de un modo más realista (se dice que es más duro ver la realidad que uno no quiere ver). Sus ejes temáticos son la melancolía, la ambigüedad, la corrupción moral y el cinismo de los personajes. La nostalgia y la pérdida de esos valores que parecían bellos pero eran falsos. Todas estas características se relacionan además con el Gótico, también trabajado en el género.

La violencia, la desesperanza, el erotismo y la manera de interpretar a los personajes como canallas, son determinadas por la estética de la imagen. Las mujeres ya no son esos personajes inocentes que sirven al protagonista, si no que son mujeres que lo ponen en peligro, utilizándolo para su propio beneficio. Son llamadas “femme fatale”, mujeres manipuladoras, misteriosas, que te pueden llevar a la muerte si te dejas seducir por ellas, absorben sangre, energía (vampirismo psicológico). Usan su feminidad y sensualidad como un arma de fuego. Una mujer tan inocente como perseguida. Una mujer deseada pero prohibida, mortal y desestabilizadora. Una mujer ideal pero imposible de alcanzarla, lo que genera un sentimiento de soledad.

Un desmoronamiento simbólico, de aquellos códigos sociales con respecto a lo sentimental. Una desproporción entre el detective y el culpable, en este caso, la mujer. La mujer lo lleva a un clima de criminalidad y el hombre se somete.

Se crea en la conciencia del espectador una idea de falla, de imposibilidad, se lo sofoca. Cada paso del detective (con el que el espectador se identifica) es detenido por su antagonista, sofoca sus libertades individuales, la violencia no deja que la moral se cumpla. Cortocircuitos del sentido.

Los films de cine negro tratan de una persecución amorosa en la que el acabado detective cree ganar el amor de una mujer tan rica como libre, él cree haberla conquistado, pero al mismo tiempo ella lo utiliza para poder conseguir lo suyo. Ella antes que nada.

Esta relación amorosa puede también analizarse desde el punto de vista espiritual. La distancia que hay entre el detective y la mujer es una analogía de lo que sería un creyente y el Dios. Se trata de la separación entre el detective (siempre será vinculado con el ciudadano norteamericano) y las alianzas secretas, al igual que la separación con su mujer idealizada. La distancia entre el espectador y el espectáculo brindado por el dispositivo. Un tiempo idealizado pero odiado. Una realidad con valores impuestos pero lejanos. Un fetichismo que lleva al detective a vivir una realidad mentirosa. La imposibilidad de adorar algo inalcanzable y no real.

El gótico en el género, también se refiere al viejo continente. Como se citó anteriormente, una parte de la población norteamericana es inmigrante europea, que viajó en busca de una calidad de vida mejor, dejando con rencor su país. Es así como se ve en los films a Europa como un continente anticuado y delirante. En el film policíaco americano se cuestiona la democracia americana, comparándola con los sistemas considerados no democráticos de la Europa desertada por estos inmigrantes por razones económicas, políticas y/o religiosas.

Esa violencia reflejada en el argumento y en la imagen, como se puede entender con la historia laberíntica que según Lacan genera cortocircuitos en el inconsciente, como es el cortocircuito temporal: confusión del pasado con el presente. Los cortocircuitos lógicos: el desdoblamiento de la razón, la transgresión de los códigos sociales.

El Cine Negro o Gangster aparece como un cortocircuito del orden simbólico jurídico. El crimen como una conexión prohibida, pero que en el film es realizada. Siempre hay un patriarca tiránico, capaz de hacer cualquier maldad, hasta la policía (encargada de la seguridad) está bajo los órdenes del mismo.

En este tipo de films hay una distorsión en la imagen y de los sentimientos (del amor al odio, un amor torturado, que si así fuere, realmente no sería amor).

Tanto la violencia visual como la violencia de la trasgresión de los valores la denominaré violencia psicológica, que es aquella que sucede dentro de la cabeza del espectador, aquella que a mi parecer resulta más agresiva que la violencia física.

No hay que olvidar que para esta época el psicoanálisis ya era utilizado en otras disciplinas, hubo un gran cambio en el modo de ver de las ciencias y los individuos. Esto también se nota en las tramas del Cine Negro. Ya el mismo nombre de este género remite a lo negro de la conciencia, a lo rebuscada que puede ser la mente humana. Hay una descomposición mental desde el psicoanálisis, que no influye sólo en el argumento, sino que también en ciertos objetos que toman protagonismo en el film como lo son el espejo y los cuadros (como el cuadro del film “Laura”). Estos elementos generan una molestia en la mirada, crean otro centro de atención, el director generalmente quiere decir algo. Crea duplicidades, la doble conciencia, la doble personalidad, se trata del desdoblamiento de la mente.

Es un género terrible, con cierto documentalismo. Con un punto de partida que es la ciudad, en donde todo es sospechoso. Hay una búsqueda de realismo, no hay cosa más terrible que ver la realidad que uno prefiere no ver, violencia psicológica.

Tampoco se debe dejar de lado el sonido, en ese entonces el sonido era relativamente nuevo, y un sonido de un disparo llegaba a provocar un gran impacto en el espectador, más si no se sabía a donde iba a parar.

En el año 1936 se impuso el Código Hays en el cine de Hollywood. El mismo tiene ciertas leyes que prohíben desde la violencia y sexo explícito hasta la propagación de ciertos ideales.

El género de Cine Negro es un género de violencia. En los comienzos de este género, la violencia explicita era prohibida, luego el Código fue dejado de lado y el género evolucionó con imágenes más fuertes. Se sabe que “Scareface” de Howard Hawks no pudo estrenarse tal cual era porque no correspondía a estas normas, entonces se hizo otra versión. Si se la compara con el remake realizado por De Palma, es enorme la diferencia en la violencia que hay entre estas dos. Sin embargo, ambas son muy violentas, una explícitamente y otra implícitamente, lo cual lleva a pensar cual es la más peligrosa. A lo largo de este trabajo citaremos los diferentes Escritores e Investigadores que tratan a de violencia psicológica, compararé las películas: “El Halcón Maltés”, “La Dama de Shangai” y “Los Ángeles al Desnudo”. Demostraremos como la violencia psicológica puede ser más agresiva que la visual, y cómo la primer película citada resultó ser más violenta. La violencia psicológica como un arma de fuego.

Rocío Valenzuela

Febrero, 2007

Continuación del escrito próximamente.